クラリネットとの最初の出会いは、計画していたわけではなく「たまたま」の選択から始まりました。 中学1年の入学式で吹奏楽部の生演奏を聞き、最初はフルートに憧れて部室へ向かいましたが、友人の一言がきっかけでクラリネットの部屋に足を踏み入れることになったのです。
そこで渡されたマウスピースから、30分近く格闘した末にかすかな音が鳴った瞬間、「この楽器と長く付き合うかもしれない」という直感に近い感情が芽生えました。 振り返ると、その小さな選択が、学校生活だけでなく社会人になってからの心の支えにまでつながる大きな転機になっていました。
クラリネットと歩んだ20年が教えてくれたこと
クラリネットは、単なる趣味や特技という枠を超えて「日常を前向きに生きるための習慣」のような存在になりました。 この記事では、20年以上続けてきた中で感じた挫折・迷い・小さな成功体験をもとに、「これから始める人」「伸び悩んでいる人」に役立つリアルな視点でクラリネットの魅力と続け方をまとめています。
忍耐と努力の大切さを学ぶ
小さな進歩が大きな成果を生む
入部したばかりの頃、1年生の主な仕事は「ひたすら基礎練習を積み重ねること」でした。 放課後になると、教室や屋上でロングトーンと指の動きだけを何十回も確認し、ときには校内ランニングや筋トレまでこなす日々で、華やかな舞台とは程遠い時間が続きました。
当時は「いつになったら曲が吹けるのだろう」と疑問に思うこともありましたが、今振り返ると、その退屈にも思えた時間こそが、音程の安定や集中力の土台になっていたと強く感じています。
長い基礎練習期間を経て、初めて本番用の譜面を渡され、先輩たちと同じ列に座って合奏に加わったとき、空気の振動が体全体に伝わってくるような感覚を覚えました。 それまで一人で出していた「ただの音」が、周囲のハーモニーと混ざり合い、一つの作品として立ち上がっていく瞬間に立ち会い、「あの地味な練習には意味があったのだ」と心から納得できたのです。
難しい楽曲への挑戦
初めて難易度の高い曲を任されたとき、譜面を開いた瞬間に「本当に吹き切れるのだろうか」と不安が押し寄せました。 メトロノームを相棒に、テンポを落として数小節だけを繰り返し練習し、できるフレーズが増えるたびに、別の箇所でつまずくという「前進と停滞の繰り返し」が続きました。
このとき、自分なりに決めたのは
というように、目標を細分化してメンタルを保つ方法でした。
特に印象的だったのが、高校2年生の演奏会でクラリネットソロを任された経験です。 憧れていた曲を任された嬉しさの一方で、「自分の一音で全体の印象が決まってしまうかもしれない」という重圧に押され、譜面台の前に立つだけで手が冷たくなるほど緊張していました。
そのソロ曲は、速いパッセージよりも「どんな音色で歌うか」が問われるタイプで、先生との個人レッスンでは、思うように表現できず悔しさで涙が出ることもありました。 そこで、自分なりに取り入れたのが、複数の演奏家のCDを聞き比べて、共通するフレーズのニュアンスや息の長さをメモに書き出し、「自分が一番しっくりくる歌い方」を探る方法でした。
完璧なコピーではなく、「理想の要素をいくつか組み合わせて自分のスタイルに落とし込む」という発想を持てたことは、その後どの楽曲に取り組むときにも大きなヒントになっています。
仲間と音楽を奏でる楽しさ
アンサンブルから学んだ協調性
クラリネットは一人で吹いていても楽しい楽器ですが、アンサンブルや吹奏楽になると「相手の呼吸をどれだけ感じ取れるか」が重要になってきます。 同じ楽譜を持っていても、互いの音量やタイミングの調整次第で、仕上がりがまったく違う作品になることを経験し、演奏を通じたコミュニケーションの奥深さを知りました。
中学2年生のとき、クラリネットパートから数人が選ばれ、少人数のアンサンブルに挑戦する機会がありました。 初期の練習では、それぞれが自分の音を外さないことに必死で、誰も周囲の響きを聞けておらず、録音を聞き返すとテンポもバランスもそろっていない状態でした。
練習が思うように進まない時期には、「誰のここがズレている」と互いに指摘し合い、空気が重くなることもありました。 そこで、他パートの友人や先生に客観的に聞いてもらい、「まずは全員が同じテンポ感を共有すること」「主役になるフレーズと支えるフレーズをはっきり決めること」というアドバイスを受けました。
最終的に、次の二つを意識するだけで演奏が大きく変わりました。
意識を変えてからの練習では、録音を聞き返したときに、「一人ひとりの音」ではなく「ひとつの流れ」として音楽が聞こえるようになり、自分たち自身も演奏中に自然と呼吸がそろっていく感覚を味わえました。
その結果、県大会では金賞を獲ることができ、県代表には届かなかったものの、「相手の音を尊重する姿勢」は、その後の人間関係や仕事の場面でも大きなヒントになっています。
共通の目標が生む絆
これまでの20年間で、さまざまなコンサートや発表会に出演してきましたが、特に印象深いのはコンクールに向けた練習です。他者から採点される場に挑むための準備は、単に技術を磨くだけでなく、仲間との絆が深まる時間でもありました。
「この曲を絶対に仕上げたい」「本番で最高の演奏をしたい」——そんな共通の目標を共有することで、自然と一人ひとりの意識が高まり、互いを支え合う空気が生まれます。
ときには練習の中で意見がぶつかることもあります。けれど、その衝突を越えて音が一つにまとまった瞬間、強い信頼が育っていくのを感じました。一人では決して味わえない達成感や、重なり合う音に鳥肌が立つような瞬間は、同じ目標に向かって努力してきた仲間がいてこそ生まれるものです。
自己表現の場としてのクラリネット
感情を音に乗せる喜び
日々の生活では言葉にできない感情を、クラリネットを通じて表現することができました。嬉しいときも悲しいときも、クラリネットの音色が自分の心の声を代弁してくれるような気がします。
２０年以上吹いてきて思うのは、「クラリネットは自分自身を映す鏡のような楽器」だということです。 嬉しいときは明るく、落ち込んでいるときはどこか沈んだ音が出る。 だからこそ、自分の心と向き合う時間にもなります。
特に、自分の場合は派手な曲よりも、ロングトーンや音階練習をしている時間が一番心を落ち着かせてくれます。
独自のスタイルを築く自由
クラリネットは、クラシックだけでなくジャズやポップスなど、ジャンルによって求められる表情が大きく変わる楽器です。 同じ楽器でも、曲調によってアタックの強さやビブラートのかけ方を変えることで、「きっちりした響き」「揺れるような響き」など、自分の性格に合ったスタイルを少しずつ探っていくことができます。
自分の場合、「少し柔らかく、フレーズの終わりに余韻が残る音」が得意と言われることが多く、その雰囲気がジャズやポップスの曲調と相性が良いと感じています。 高校時代にソロを任されたときも、譜面通りにきっちり吹くより、フレーズの最後を少し遊ばせるように歌うことで、自分らしい表現に近づけることができました。
“好きな曲”や“心が動くメロディ”に出会えることは、奏者にとって大きな幸せです。そして、その出会いが自分だけのスタイルを育ててくれるのだと思います。
クラリネットが教えてくれた人生の教訓
地道な練習の継続が「人」としての成長にもつながった！
クラリネットは、練習量や意識の差が音色の変化としてかなり分かりやすく現れる楽器だと感じています。 毎日少しずつロングトーンや基礎練習を積み重ねていると、「昨日より息が長く続いた」「前よりも音の立ち上がりがそろってきた」といった小さな変化を自分の耳で確認でき、それが継続のモチベーションになりました。
この「少しずつでも前に進んでいる」という感覚は、社会人になってからの仕事にも大きく影響しました。 成果が出るまで時間がかかるプロジェクトに向き合うときでも、「今日はここまで進めばOK」と自分で小さなゴールを設定できるようになったのは、クラリネットの練習で身につけた考え方そのものです。
音楽がもたらす癒しと喜び
クラリネットを吹いていると、自分の気持ちが落ち着くだけでなく、演奏後に「音色が優しくて安心した」と声をかけられることがあり、音楽には聴く人の心にもそっと働きかける力があると感じます。
大きな悩みを一度で解決してくれるわけではありませんが、短い時間でも楽器に向き合うことで、気持ちをリセットする小さなスイッチのような役割を担ってくれています。
まとめ
クラリネットは、派手なソロで目立つタイプの楽器ではありませんが、オーケストラや吹奏楽、映画音楽など、実はさまざまな場面で静かに活躍しています。 主役として前に出るだけでなく、メロディーとメロディーの隙間を優しくつないだり、ハーモニーの色を変えたりする役割を担うことが多く、「縁の下の力持ち」が好きな人にはぴったりの楽器だと感じます。
20年以上クラリネットと向き合ってきたことで、部活動の仲間や社会人バンドの仲間、海外交流など、楽器がなければ出会えなかった人たちとのつながりが生まれました。 思うように吹けずに落ち込んだ日も、演奏後に仲間と笑い合えた日も、すべてが「自分だけの音」を育ててくれた時間だったと感じています。
これからクラリネットを始める方には、上達のスピードを人と比べるよりも、「昨日の自分」との違いを楽しんでください。
うまく吹けない日も含めて、その日の感情やコンディションが音に表れるのがクラリネットの面白さであり、続けていくうちに、必ず「自分にしか出せない響き」が見えてきますよ。
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